Nara ở Bilbao, Frankenthaler ở Florence, Goldin ở Berlin và nhiều nơi khác nữa – danh sách các triển lãm nổi bật đang diễn ra hoặc sẽ diễn ra trong những tháng tới của Christie’s
1, Bonnard-Matisse, một tình bạn
Fondation Marguerite et Aimé Maeght, Saint-Paul de Vence
Đến ngày 6 tháng 10, 2024
Đêm khánh thành của Fondation Maeght năm 1964 đã có tất cả hào quang của Thời đại nhạc Jazz. Trong đám đông Riviera hào nhoáng ở miền Nam nước Pháp có các nhà văn James Baldwin và André Malraux, các nghệ sĩ Joan Miró và Marc Chagall. Khách mời được hát tặng bởi giọng ca của Ella Fitzgerald và Yves Montand.
Pierre Bonnard, L’Été, 1917, sơn dầu trên toan, 260 × 340 cm, nguồn: Fondation Maeght
Sáu mươi năm sau, Fondation Maeght vẫn là một trong những bảo tàng đẹp nhất thế giới. Nhìn ra thị trấn trên đỉnh đồi Saint-Paul de Vence, tòa nhà giản dị thanh lịch này là một nơi tôn nghiêm thuộc về nghệ thuật. Được thiết kế bởi người bạn thân của Miró là Josep Lluís Sert, nơi đây bao gồm các phòng trưng bày tràn ngập ánh sáng và một khu vườn điêu khắc nhiều bóng râm. Chagall nói rằng: “Chỉ có Aimé Maeght mới làm được như vậy!”, chia sẻ quyết tâm của nhà buôn nghệ thuật – vợ của ông – Marguerite muốn hiện thực hóa ngôi đền nghệ thuật này.
Để kỷ niệm sinh nhật lần thứ 60, bảo tàng đang tổ chức một triển lãm khám phá tình bạn ít được biết đến giữa Pierre Bonnard, Henri Matisse và Maeghts. Sinh cách nhau chỉ hai năm, Bonnard và Matisse gặp nhau vào năm 1905, nhưng mãi đến khi Chiến tranh thế giới thứ hai bùng nổ, họ mới trở nên thân thiết. Cả hai người đàn ông đều sống biệt lập trong ngôi nhà riêng của họ ở miền nam nước Pháp. “Tôi cần xem một bức tranh khác ngoài bức tranh của tôi,” Bonnard viết cho người bạn của mình, và họ tiếp tục trao đổi thư từ cho đến khi Bonnard qua đời vào năm 1947. Cùng với các bức tranh và phác họa của các họa sĩ, triển lãm giới thiệu vô số thước phim, ảnh và thư từ hiếm thấy, hé lộ bức tranh thân mật về hai bậc thầy quan trọng của nghệ thuật hiện đại.
2, Yoshitomo Nara
Guggenheim Bilbao, Tây Ban Nha
Đến ngày 3 tháng 11, 2024
Sinh năm 1959 tại thành phố Hirosaki của Nhật Bản, Yoshitomo Nara ngày nay được biết đến nhiều nhất qua những bức tranh hoạt hình về trẻ em với đầu to và mắt cách xa nhau, đôi khi đe dọa, u sầu hoặc trầm tư. Triển lãm hồi tưởng này – triển lãm quan trọng đầu tiên của ông tại một bảo tàng lớn ở châu Âu – khám phá nguồn cảm hứng đằng sau những nhân vật đó, vốn là nền tảng cho nghệ thuật của ông kể từ những năm 1990. Một nguồn cảm hứng là nỗi cô đơn mà ông đã trải qua, đầu tiên là khi còn là một đứa trẻ tự lo liệu cho mình ở Nhật Bản, và sau đó khi còn là sinh viên theo học tại Kunstakademie Düsseldorf mặc dù không nói được một từ tiếng Đức nào.
Yoshitomo Nara (sinh năm 1959), Đêm không ngủ (Ngồi), 1997. Acrylic trên toan. 120 × 110 cm.
Hình ảnh cung cấp bởi bảo tàng Rubell, Miami và Washington, D.C.
© Yoshitomo Nara, cung cấp bởi Yoshitomo Nara Foundation
Yoshitomo Nara (sinh năm 1959), Những giọt nước mắt nửa đêm, 2023. Acrylic trên toan. 140.5 × 220 cm.
Bộ sưu tập của nghệ sĩ. © Yoshitomo Nara, cung cấp bởi Yoshitomo Nara Foundation
Các nhân vật của Nara thường được mô tả một mình, trên nền đơn sắc, không có câu chuyện đi kèm – vì vậy, cuộc gặp gỡ của người xem với họ là thô sơ và không có sự trung gian. Các curator cho rằng một phần thành công của nghệ sĩ bắt nguồn từ sự kết hợp khéo léo giữa nghệ thuật cao cấp và thấp cấp, và giữa những ảnh hưởng của phương Đông và phương Tây. Họ cũng xem xét sự thay đổi cảm xúc trong tác phẩm của ông kể từ trận động đất lớn ở Đông Nhật Bản năm 2011 và trận sóng thần sau đó. Bilbao là điểm dừng chân đầu tiên trong ba điểm dừng chân của triển lãm này, tiếp theo là Bảo tàng Frieder Burda ở Baden-Baden và Phòng trưng bày Hayward ở London.
3, Franz Gertsch
Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại Louisiana, Đan Mạch
Đến ngày 10 tháng 11, 2024
Nghệ sĩ người Thụy Sĩ Franz Gertsch đã có bước đột phá quốc tế vào năm 1972 với tác phẩm đồ sộ Medici, mô tả năm thanh niên hipster đang dựa vào một rào chắn. Được vẽ theo phong cách siêu thực, những ngôi sao quasi-rock này, trong chiếc áo khoác da, kính râm và quần jean, dường như là trung tâm của vũ trụ văn hóa. Tuy nhiên, đằng sau sự quyến rũ là những câu hỏi về sự thật, điều giả dối và sức mạnh của sự phóng đại. Bạn có thực sự tin vào con mắt của nghệ sĩ không? Khi nhìn thấy những bức chân dung kỳ lạ của Gertsch, bậc thầy về ảo giác Timothy Leary đã thốt lên rằng chúng chứa đựng “một thực tế mới, một bức tranh thời gian-không gian mới”.
Franz Gertsch (1930-2022), Marina schminkt Luciano (Marina trang điểm cho Luciano), 1975. Acrylic trên vải bông. 234 × 346 cm.
Bảo tàng Ludwig, Cologne. © Franz Gertsch AG Dominique Uldry (2020)
Triển lãm này quy tụ 60 tác phẩm nghệ thuật, ghi lại quá trình tiến triển của nghệ sĩ theo trường phái siêu thực từ những bức chân dung định hình sự nghiệp ban đầu về nhạc sĩ Patti Smith và nghệ sĩ Luciano Castelli cùng nhóm Junge Wilde, cho đến những bức tranh khắc gỗ hoành tráng về phong cảnh gần nhà ông ở Rüschegg. Triển lãm cũng tiết lộ cách bộ phim u ám Blow-Up của Michelangelo Antonioni truyền cảm hứng cho bầu không khí trong tác phẩm của Gertsch.
4, Becoming Anna-Eva Bergman
Bảo tàng Quốc gia Na Uy, Oslo
Đến 24 tháng 11, 2024
Họa sĩ người Na Uy Anna-Eva Bergman sinh ra ở Thụy Điển nhưng dành phần lớn cuộc đời ở Paris, tạo ra những bức tranh sơn dầu khổ lớn kết hợp nhuần nhuyễn giữa biểu hình và trừu tượng. Mặc dù họa sĩ đã triển lãm rộng rãi trong suốt cuộc đời mình nhưng vẫn chưa được đánh giá đúng mức. Một loạt các triển lãm cá nhân dành riêng cho cuộc đời và sự nghiệp của bà đang khắc phục điều này, trong số đó có triển lãm Becoming Anna-Eva Bergman [Trở thành Anna-Eva Bergman] tại Bảo tàng Quốc gia Na Uy.
Hình ảnh tại triển lãm Becoming Anna-Eva Bergman tại Bảo tàng Quốc gia Na Uy/Børre Høstland. Ở vị trí trung tâm là tác phẩm năm 1960
bằng sơn dầu và lá kim loại trên toan, N°6-1960 Pyramide [Kim tự tháp N°6-1960].
Các tác phẩm nghệ thuật: © Fondation Hartung Bergman/BONO
Triển lãm này, một phiên bản của triển lãm lần đầu tiên được trưng bày tại Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại ở Paris vào năm 2023, tập trung vào các tác phẩm trừu tượng lấy cảm hứng từ phong cảnh của Na Uy và Pháp. Triển lãm bao gồm một số bức tranh sơn dầu đồ sộ được tạo ra từ năm 1950 đến năm 1975, giai đoạn mà Bergman đã thử nghiệm với lá kim loại để tạo ra ánh sáng trong hình ảnh.
Trọng tâm của triển lãm là bộ ba bức tranh khổ lớn của Bergman, được đặt hàng vào năm 1951, cho một quán bar mới tại Khách sạn Farris Bad ở Larvik, trên bờ biển Na Uy. Đây là tác phẩm trang trí duy nhất bà từng hoàn thành và được trưng bày tại đây với toàn bộ hình thức của nó lần đầu tiên kể từ năm 1956. Những điểm nhấn đáng chú ý khác bao gồm Nº4-1957 La grande montagne (1957) và Nº6-1960 Pyramide (1960), được mượn từ Fondation Hartung Bergman ở Antibes.
5, Chủ nghĩa Siêu thực
Centre Pompidou, Paris
Ngày 4 tháng 9, 2024 đến 13 tháng 1, 2025
Để kỷ niệm 100 năm ngày André Breton xuất bản Tuyên ngôn siêu thực, Trung tâm Pompidou sẽ tổ chức một triển lãm theo dấu sáng tạo của chủ nghĩa Siêu thực từ năm 1924 đến năm 1969. Được tổ chức theo trình tự thời gian và chủ đề, triển lãm sẽ xem xét những nhân vật văn học đã truyền cảm hứng cho phong trào này – bao gồm Lewis Carroll, Hầu tước de Sade và Bá tước de Lautréamont – cũng như các nguyên tắc, hình thức và họa tiết thơ ca đã cấu trúc nên hình ảnh của nó.
Max Ernst (1891-1976), L’ange du foyer (Le triomphe du surréalisme), 1937. Sơn dầu trên toan. 14 × 146 cm. Sưu tập tư nhân.
Triển lãm quy tụ những bức tranh, bản vẽ, phim, ảnh và tài liệu văn học nổi tiếng của những nghệ sĩ Siêu thực hàng đầu, với những điểm nhấn là những tác phẩm được mượn bao gồm The Great Masturbator của Salvador Dalí từ Bảo tàng Reina Sofía; Personal Values của René Magritte từ Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại San Francisco; và The Great Forest của Max Ernst (Bảo tàng Nghệ thuật Basel). Cùng với những tác phẩm này sẽ là những tác phẩm chính yếu của những nữ nghệ sĩ Siêu thực hàng đầu, bao gồm Dora Maar, Dorothea Tanning và Leonora Carrington.
6, Matisse – Lời mời tham dự chuyến đi
Fondation Beyeler, Riehen, Thụy Sĩ
22 tháng 9, 2024 đến 26 tháng 1, 2025
Sau một loạt triển lãm dành riêng cho một số nghệ sĩ vĩ đại của thế kỷ 20 – Gauguin năm 2015, Monet năm 2017 và Picasso năm 2019, Fondation Beyeler của Thụy Sĩ hiện đang mời người yêu nghệ thuật tham quan hành trình qua tác phẩm đột phá của Henri Matisse.
Triển lãm hứa hẹn sẽ bao gồm các tác phẩm quan trọng từ tất cả các giai đoạn chính trong sự nghiệp của ông: Những bức tranh đầu tiên lấy cảm hứng từ trường phái Ấn tượng (The Dinner Table, 1897); các thử nghiệm của ông với trường phái Dã thú (The Open Window, Collioure, 1905); sau đó là trường phái Biểu hiện (Bathers with a Turtle, 1907/08); sự phát triển Odalisques (Decorative Figure on an Ornamental Background, 1925-26); và những tác phẩm cắt dán về sau của ông (Blue Nude I, 1952). Các tác phẩm được cung cấp bởi Trung tâm Pompidou ở Paris, Phòng trưng bày Nghệ thuật Quốc gia ở Washington, D.C. và Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại ở New York, cùng với các tổ chức khác, cũng như một số bộ sưu tập tư nhân quan trọng.
Henri Matisse (1869-1954), Grand Nu Couché (Nuy hồng), 1935. Sơn dầu trên toan. 66.4 × 93.3 cm. Bảo tàng Nghệ thuật Baltimore: Bộ sưu tập The Cone.
© Succession Henri Matisse / 2024, ProLitteris, Zurich. Ảnh: © The Baltimore Museum of Art: The Cone Collection / Mitro Hood
Tên của triển lãm – Lời mời tham gia chuyến đi – được mượn từ bài thơ nổi tiếng năm 1857 của Charles Baudelaire, trong đó tác giả mời người tình của mình tưởng tượng ra một thế giới kỳ lạ mà họ có thể ghé thăm. Theo curator của triển lãm, Raphaël Bouvier, bài thơ này thường được Matisse nhắc đến và tinh túy của nó có thể cảm nhận được trong suốt tác phẩm của ông.
7, Đồ đồng Châu Á. Lịch sử 4000 năm của cái đẹp
Rijksmuseum, Amsterdam
27 tháng 9, 2024 đến 12 tháng 1, 2025
Kể từ khi được phát minh cách đây khoảng 5.000 năm, đồng thanh – hợp kim của đồng và thiếc – đã trở thành kim loại được các nghệ nhân ưa chuộng, phần lớn là nhờ vào tính chất vừa bền vừa dẻo của nó.
Triển lãm sắp tới của Rijksmuseum sẽ theo dấu quá trình sử dụng kim loại ở châu Á trong suốt hàng thiên niên kỷ, thông qua 75 kiệt tác bằng chất liệu này, bao gồm chuông, lư hương và vũ khí. Hầu hết các hiện vật chưa từng được trưng bày ở Hà Lan, với 15 hiện vật lần đầu tiên xuất hiện ở châu Âu.
Đức Phật dưới biểu tượng của Naga, Thái Lan, thế kỷ XII, XIII.
Bảo tàng Quốc gia, Bangkok.
Hiện vật nổi bật là một chiếc bình đựng rượu tuyệt đẹp có hình dạng giống một con voi. Nó có niên đại từ thời nhà Thương của Trung Quốc, thời kỳ hưng thịnh cách đây khoảng 3.500 năm và đang được Bảo tàng Guimet ở Paris cho mượn. Một hiện vật khác là bức tượng Phật dưới biểu tượng Naga, thuộc về Bảo tàng Quốc gia ở Bangkok và lần đầu tiên rời khỏi Thái Lan kể từ khi được đúc vào thế kỷ XII hoặc XIII.
Triển lãm đi kèm với một cuốn sách, Đồ đồng Châu Á. Lịch sử 4000 năm của cái đẹp, được xuất bản bằng tiếng Anh và tiếng Hà Lan, cũng như một hội thảo sẽ được tổ chức tại bảo tàng vào ngày 9 và 10 tháng 1 năm 2025.
8, Monet và London. Cảnh sông Thames
The Courtauld, London
27 tháng 9, 2024 đến 19 tháng 1, 2025
Vào đầu thế kỷ XX, London là thành phố đông nhất trên Trái đất với hơn sáu triệu cư dân. Trong số những người bị quyến rũ bởi quy mô – cũng như sự giàu có và thời tiết – của thủ đô nước Anh có Claude Monet. Họa sĩ trường phái Ấn tượng người Pháp này đã đến London vào các năm 1899, 1900 và 1901, ở lại tổng cộng sáu tháng trong ba chuyến đi và cho ra đời khoảng 100 bức tranh sơn dầu có hình ảnh Sông Thames.
Claude Monet (1840-1926), Waterloo Bridge, soleil voilé, 1899-1903. Sơn dầu trên toan. Bộ sưu tập tư nhân. Ảnh: Bridgeman Images
Cầu Waterloo, Cầu Charing Cross (hay còn gọi là Cầu Hungerford) và Tòa nhà Quốc hội là những chủ đề ưa thích của ông, thường được nhìn thấy qua lớp sương mù của London (một phần là tự nhiên, một phần là kết quả của quá trình công nghiệp hóa mạnh mẽ của thành phố trong thế kỷ XIX). Monet đã trưng bày 37 tác phẩm sông Thames của mình tại Paris vào năm 1904 và muốn lặp lại triển lãm tại chính London vào năm sau. Tuy nhiên, dự án đã thất bại và sự chú ý của ông sau đó phần lớn chuyển sang các khu vườn của mình ở Giverny.
Nhờ các tác phẩm mượn từ các bộ sưu tập công và tư nhân trên toàn thế giới, Courtauld hiện đã sẵn sàng mang đến cho London một phiên bản triển lãm mà nơi này chưa từng có – với buổi trưng bày đầu tiên các bức tranh sông Thames của Monet tại thành phố đã truyền cảm hứng. Mong ước 120 năm của họa sĩ sắp trở thành hiện thực.
9, Helen Frankenthaler: Hội họa không nguyên tắc
Fondazione Palazzo Strozzi, Florence
27 tháng 9, 2024 đến 26 tháng 1, 2025
Helen Frankenthaler là một nhân vật quyết định trong bối cảnh nghệ thuật hậu chiến Mỹ, đóng vai trò quan trọng trong sự phát triển của phong trào Colour Field. Đặc biệt, chính phát minh của bà về phương pháp “ngâm-vết” để áp sơn dầu pha loãng với nhựa thông lên toan chưa sơn lót, được bà phát triển vào những năm 1950, đã giúp bà tạo ra những bức tranh trừu tượng, trữ tình, đồ sộ với nhịp điệu và tông màu sống động.
Helen Frankenthaler (1928-2011), Alassio, 1960. Sơn dầu trên toan. 85¼ × 131 in (216.5 × 332.7 cm).
© 2024 Helen Frankenthaler Foundation, Inc. / Artists Rights society (ARS), New York
Một triển lãm mới đã được tổ chức giữa Fondazione Palazzo Strozzi của Florence và Quỹ Helen Frankenthaler tại New York, nhằm tôn vinh sự nghiệp kéo dài sáu thập kỷ của nghệ sĩ. Đây là triển lãm lớn nhất về tác phẩm của bà từng diễn ra tại Ý, trưng bày 30 bức tranh được sáng tác từ năm 1953 đến năm 2002, được treo theo trình tự thời gian trên các bức tường của cung điện thời Phục hưng. Và để giúp xây dựng bức tranh toàn cảnh hơn về thế giới của Frankenthaler, những tác phẩm này được đồng hành với tác phẩm do một số người trong vòng tròn thân thiết của bà thực hiện, bao gồm Jackson Pollock, Anthony Caro, Morris Louis, Kenneth Noland, Mark Rothko và Anne Truitt, cũng như chồng bà, Robert Motherwell.
“Vòng tròn nghệ thuật của Frankenthaler giống như một hệ sinh thái của các lực lượng sáng tạo luôn vận động,” Douglas Dreishpoon, curator triển lãm và giám đốc danh mục của nghệ sĩ cho biết. “Việc nhìn thấy tác phẩm của họ trong sự kết hợp chặt chẽ giúp chúng ta hiểu rõ hơn về những sáng tạo của riêng Frankenthaler.”
10, Michelangelo, Leonardo, Raphael: Florence, khoảng 1504
Học viện Nghệ thuật Hoàng gia, London
9 tháng 11, 2024 đến 16 tháng 2, 2025
Triển lãm bom tấn mùa đông của Học viện Hoàng gia tôn vinh bộ ba vĩ đại nhất của thời kỳ Phục hưng Ý: Michelangelo, Leonardo và Raphael. Với các bức vẽ, tranh và tác phẩm điêu khắc, triển lãm tập trung vào sự cạnh tranh giữa Michelangelo và Leonardo, cả hai đều đã trở về Florence vào đầu thế kỷ XVI, cũng như ảnh hưởng của cả hai đối với Raphael trẻ tuổi.
Leonardo da Vinci (1452-1519), Đức mẹ và Chúa Hài đồng với Thánh Anne và Thánh John Tẩy giả
(‘The Burlington House Cartoon’), khoảng 1499-1500. Than (có thể có nước sơn lót)
được tô trắng trên giấy bồi trên toan. 141.5 × 104.6 cm.
Phòng trưng bày Quốc gia, London. Ảnh: Phòng trưng bày Quốc gia, London
Triển lãm bắt đầu với tác phẩm Taddei Tondo nổi tiếng của Michelangelo, một tác phẩm điêu khắc bằng đá cẩm thạch mô tả Đức mẹ và Chúa hài đồng với thánh John còn nhỏ, và kết thúc bằng các nghiên cứu của Leonardo và Michelangelo cho các bức tranh tường chưa hoàn thiện của họ dành cho hội trường mới tại Palazzo Vecchio ở Florence. Bạn cũng sẽ gặp một số ví dụ tuyệt vời nhất về các bức vẽ thời Phục hưng Ý, bao gồm ‘Burlington House Cartoon’ của Leonardo (khoảng năm 1499-1500), được mượn từ Phòng trưng bày Quốc gia London.
11, Những người Mogul vĩ đại: Nghệ thuật, Kiến trúc và Sự giàu có
V&A Nam Kensington, London
Từ ngày 9 tháng 11, 2024 đến ngày 5 tháng 5, 2025
Triển lãm tôn vinh những thành tựu sáng tạo phi thường và nền văn hóa quốc tế của Hindustan trong thời kỳ trị vì của các hoàng đế nổi tiếng nhất: Akbar (trị vì 1556-1605), Jahangir (trị vì 1605-27) và Shah Jahan (trị vì 1628-58).
Với hơn 200 tác phẩm được trưng bày theo trình tự thời gian ở ba phần, triển lãm sẽ giới thiệu kỹ năng đặc biệt của các nghệ sĩ Ba Tư và Hindustan trong các xưởng chế tác của đế quốc trong thời kỳ hoàng kim của triều đình Mogul (khoảng năm 1560-1660), cũng như ảnh hưởng của nghệ thuật châu Âu, được các nhà truyền giáo Cơ đốc, đại sứ nước ngoài và thương gia giới thiệu vào triều đình.
Người khổng lồ Zumurrud Shah chạy trốn cùng đội quân của mình trên những chiếc bình
do các pháp sư gửi đến. Folio từ Hamzanama, khoảng 1562-77. Màu trong mờ
và vàng trên vải bông có giấy lót. MAK – Bảo tàng Nghệ thuật Ứng dụng, Vienna.
Ảnh: © MAK / Georg Mayer
Một chiếc cốc đựng rượu bằng ngọc bích nephrite trắng được làm cho Shah Jahan
vào năm 1657. Ảnh: © Bảo tàng Victoria và Albert, London
Những báu vật khác bao gồm một chiếc cốc ngọc bích nephrite độc đáo được làm cho Shah Jahan vào năm 1657 và một tuyển chọn các đồ vật trang sức lấp lánh từ bộ sưu tập Al Sabah, trong số đó có một con dao găm bằng vàng và vỏ kiếm được đính hơn 2.000 viên hồng ngọc, ngọc lục bảo và kim cương.
12, Gabriele Münter: Nữ họa sĩ Biểu hiện vĩ đại
Bảo tàng Quốc gia Thyssen-Bornemisza, Madrid
12 tháng 11, 2024 đến ngày 9 tháng 2, 2025
“Sau một thời gian ngắn đau đớn, tôi đã có một bước nhảy vọt vĩ đại,” họa sĩ người Đức Gabriele Münter đã viết trong nhật ký của mình vào mùa hè năm 1908.
Trên thực tế, bước nhảy vọt này là một phong cách hội họa mới, cấp tiến trong đó các hình thức tự phát, đơn giản hóa và màu sắc tươi sáng, không pha trộn được sử dụng để nắm bắt bản chất của sự vật. Münter đã phát triển nó với sự giúp đỡ của cộng sự của bà, Wassily Kandinsky, và vào năm 1911, nó đã trở thành diện mạo và cảm nhận của một nhóm họa sĩ theo trường phái Biểu hiện với cặp đôi này là trung tâm, có tên là Der Blaue Reiter (‘Tay lái xanh’).
Gabriele Münter, Hồ xanh, 1934, nguồn: Lentos Art Museum Linz
Triển lãm hồi tưởng đầu tiên của Münter tại Tây Ban Nha ghi lại sự thăng trầm của bà như một nhân vật chủ chốt của chủ nghĩa Biểu hiện Đức. Triển lãm bắt đầu với niềm đam mê nhiếp ảnh mà bà đã khám phá ở Mỹ, sau đó theo dõi sự phát triển của hội họa tiên phong khi bà di chuyển khắp châu Âu, tiếp thu chủ nghĩa Dã thú, Hậu ấn tượng và chủ nghĩa Tượng trưng. Triển lãm kết thúc bằng cảnh bà lưu vong ở Scandinavia và sau đó trở về Đức, nơi tác phẩm cấp tiến của bà đã bị đảng Quốc xã lên án.
Triển lãm xây dựng dựa trên bốn bức tranh Münter thuộc sở hữu của Thyssen-Bornemisza – Trường học, Murnau, 1908; Tự họa, 1909-10; Cảnh từ ngôi nhà của anh trai bà ở Bonn, 1908; Murnau (Murnau tháng 5), 1924 – để tập hợp một kho lưu trữ hơn 100 bức tranh, bản vẽ, bản in và ảnh. Sau tháng 2 năm 2025, một phiên bản sẽ được chuyển đến Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại ở Paris.
13, Nan Goldin: This Will Not End Well
Neue Nationalgalerie, Berlin
23 tháng 11, 2024 đến ngày 6 tháng 4, 2025
Nhiếp ảnh gia người Mỹ Nan Goldin nổi tiếng vào cuối những năm 1980 với The Ballad of Sexual Dependency (1981-2022), một loạt tác phẩm có ảnh hưởng gồm khoảng 700 bức chân dung được sắp xếp theo nhạc nền, ghi lại những khoảnh khắc thân mật của tình yêu và mất mát. Kể từ đó, tác phẩm nhiếp ảnh thô của bà đã khám phá nhiều vấn đề xã hội, từ nghiện ma túy và mại dâm đến tự tử và đời sống LGBT.
Lần đầu tiên được trưng bày tại Bảo tàng Stedelijk của Amsterdam vào năm 2023, triển lãm này tập trung vào các tác phẩm sắp đặt video và trình chiếu của Goldin – các tác phẩm bao gồm hình ảnh chuyển động, giọng nói, cảnh quay và ảnh từ kho lưu trữ của bà – trong suốt sự nghiệp kéo dài bốn thập kỷ.
Mỗi trong sáu sliceshow sẽ được lắp đặt trong một phòng riêng. Ngoài The Ballad of Sexual Dependency, người xem sẽ gặp The Other Side (1992-2021), một tác phẩm tri ân những người bạn chuyển giới của Goldin, những người mà bà đã chụp ảnh từ năm 1972 đến năm 2010; và Sisters, Saints and Sibyls (2004-2022), một bộ phim cá nhân kể về cuộc đời và sự tử đạo của Thánh Barbara trước khi khám phá câu chuyện về chị gái của Goldin, một Barbara khác, người đã tự sát ở tuổi 18.
Nguồn: Christie’s
Lược dịch bởi Viet Art View
