Paul Cézanne, Những người đi tắm Lớn, 1900-1906. Được phép của Bảo tàng Nghệ thuật Philadelphia.
Có thông tin rằng mức giá 450 triệu USD cho Salvator Mundi (khoảng năm 1500) của Leonardo da Vinci là do cuộc chiến phù phiếm giữa hoàng gia Ả Rập Xê Út và người cai trị trên thực tế của Các Tiểu vương quốc Ả Rập Thống nhất, cả hai đều lầm tưởng họ đang đấu với đối thủ sưu tập vùng Vịnh của mình, hoàng gia Qatar. Rằng một nhà tài phiệt người Nga đã ký gửi bức tranh, muốn bán nó với giá lỗ (để củng cố vụ kiện của ông ta với một nhà buôn nghệ thuật sở hữu cảng tự do Thụy Sĩ), nhưng bất ngờ thu được khoản lãi 300 triệu USD. Một sự thật thú vị được tiết lộ: Phân khúc cao nhất của thị trường thường thiên về sự cạnh tranh và ý thích thất thường của một nhóm nhỏ các tỷ phú hơn là về thực tế nghệ thuật.
Bức tranh cuối cùng đã đến Louvre Abu Dhabi, sau khi có thông tin rằng nó ở trên một siêu du thuyền, vậy là chúng ta có thể ghi một điểm cộng cho việc nghệ thuật trở về với công chúng. Tuy nhiên những viên chức bảo tàng mà tôi biết vẫn cảm thấy khó chịu với toàn bộ câu chuyện. Đối với họ, nghệ thuật đáng lẽ phải tồn tại bên ngoài kinh tế. Nếu bạn có dịp gặp một curator, bạn có thể hỏi những kiệt tác bảo tàng vĩ đại nhất có giá bao nhiêu. Bạn sẽ nhận được câu trả lời với sự không hài lòng: “vô giá”, hoặc là “không thể tính toán được”, hoặc một câu chuyện đáng nhớ về những ngày xưa tốt đẹp, về việc nghệ thuật đã trở thành hàng hóa như thế nào. Nhưng tất nhiên, không có bức tranh nào là vô giá.
Vậy những kiệt tác trên tường các bảo tàng sẽ có giá bao nhiêu đối với những người thực sự có khả năng mua chúng? Như một thử nghiệm tư duy, tôi đã hỏi một số nhà sưu tập và nhà buôn lớn trên thế giới (khách hàng của chúng tôi) xem họ muốn sở hữu những bức tranh nào nhất trong các bảo tàng Mỹ và họ sẽ trả bao nhiêu để sở hữu chúng. Những bức tranh xuất hiện lặp đi lặp lại có chung ba đặc điểm: ý nghĩa lịch sử, sự nổi tiếng và sức hấp dẫn đương đại.
Ý nghĩa lịch sử thực sự là một vấn đề ảnh hưởng. Nhà kinh tế học David Galenson của Đại học Chicago, người nghiên cứu về thị trường nghệ thuật, nói với tôi rằng “những bức tranh có ảnh hưởng lớn nhất đến hoạt động của các nghệ sĩ khác và nền văn hóa nói chung sẽ được phong thánh và bán với giá cao nhất.”
Sự nổi tiếng thậm chí còn đơn giản hơn. Một số tác phẩm nổi tiếng vì nổi tiếng. Những bức tranh như Thế giới của Christina (1948) của Andrew Wyeth tại MoMA hay Bình minh (1922) của Maxfield Parrish đạt được mức độ hấp dẫn dân túy vượt xa ảnh hưởng lịch sử nghệ thuật của chúng. Một số tác phẩm nổi tiếng cũng rất đáng kể. Đối với các nhà sưu tập, việc sở hữu một tác phẩm nổi tiếng mang lại một địa vị bất ngờ.
Sức hấp dẫn đương đại là một chức năng của bất cứ thứ gì đang thịnh hành trong số 50 nhà sưu tập lớn nhất thế giới. Sở thích của 0,000000007% dân số thế giới này thúc đẩy giá ở mức cao nhất trên thị trường. Các thể loại [nghệ thuật] đi vào rồi đi ra khỏi sự ưa thích. Các triệu phú cuối thế kỷ 19 muốn có những tác phẩm theo chủ nghĩa hiện thực hàn lâm, các ông trùm đầu thế kỷ 20 ưa chuộng các bậc thầy Hà Lan và Ý, các ông trùm Nhật Bản những năm 1980 mua những tác phẩm Hậu ấn tượng. George Wachter, chủ tịch Sotheby’s khu vực châu Mỹ, cho biết các nhà sưu tập ngày nay “muốn có sự trực diện, tức thì và mãnh liệt.”
Sau đây là 10 bức tranh của bảo tàng Mỹ tôi tin là sẽ có giá cao nhất trong viễn cảnh phản địa đàng của tôi (hãy nghĩ đến việc Bolshevik bán những kiệt tác của bộ sưu tập Hermitage vào những năm 1930), xếp hạng cao trên cả ba khía cạnh.
1,2 tỷ USD—Pablo Picasso, Những quý cô Avignon (1907), Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại, Thành phố New York
Pablo Picasso, Những quý cô Avignon, 1907. © Tài sản Pablo Picasso / Hiệp hội Bản quyền Nghệ sĩ (ARS), New York. Hình ảnh của Wikimedia Commons.
Thật khó để diễn tả những nhà sưu tập hàng đầu muốn sở hữu bức tranh này như thế nào. Nó đã thắng trò chơi “Nếu bạn có thể sở hữu một bức tranh” giữa các tỷ phú. Và tại sao không? Đây là bức tranh quan trọng nhất (và được nhắc đến nhiều nhất trong sách giáo khoa) của họa sĩ quan trọng nhất thế kỷ 20. Nó tương đương việc sở hữu độc quyền ‘Bản giao hưởng số 41’ của Mozart. Nhà sử học nghệ thuật Miles Unger gọi nó là “sự tương đương về mặt văn hóa của việc Lenin tiến vào nhà ga Phần Lan năm 1917.” Tôi coi đó là sự hoàn thành dự án Hiện đại, được bắt đầu vào năm 1863 bởi Édouard Manet với Bữa trưa trên cỏ (bức tranh quan trọng và có giá trị nhất thế kỷ 19), nhằm loại bỏ phối cảnh tuyến tính và làm phẳng cơ thể. Với sự kết hợp hoàn hảo giữa ý nghĩa, danh tiếng và sức hấp dẫn đương đại, đó là chiếc cúp văn hóa cuối cùng. Đây là một ước tính dè dặt. Bức tranh có giá trị theo cấp số nhân so với những tuyên bố vĩ đại khác của Picasso, La Vie (1903) thuộc thời kỳ Xanh tại Viện Nghệ thuật Cleveland và Gia đình nghệ sĩ nhào lộn (1905) thời kỳ Hoa hồng tại Phòng trưng bày Nghệ thuật Quốc gia. Kỷ lục đấu giá hiện tại của Picasso cho bức Les femmes d’Alger (Phiên bản ‘O’) năm 1955, thu về 179 triệu USD tại Christie’s năm 2015, không nằm cùng một vũ trụ với những gì bức tranh này sẽ mang lại.
1 tỷ USD—Vincent van Gogh, Đêm đầy sao (1889), Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại, Thành phố New York
Vincent van Gogh, Đêm đầy sao, 1889. Hình ảnh của Wikimedia Commons.
Đó là một bức tranh nổi tiếng có chiều sâu trí tuệ—thoạt nhìn thấy quen thuộc một cách kỳ lạ với vẻ ngoài thân thiện che giấu một tâm hồn thống khổ. Giống như Mona Lisa, bức tranh thường bị bao quanh bởi một đám đông những người cầm iPhone selfie để chứng tỏ họ đã xem nó chứ không phải để thực sự nhìn thấy nó. Trong khi những bức chân dung tự họa và hoa hướng dương của van Gogh có thể ảnh hưởng trực tiếp hơn đến lịch sử nghệ thuật, thì Đêm đầy sao đã trở thành hình ảnh mang tính biểu tượng nhất thuộc về người họa sĩ được thần thoại hóa nhất của chúng ta. Trận chiến đấu giá sẽ ở cấp độ toàn cầu và khốc liệt. Một tỷ phú châu Á nói với tôi rằng ông ấy sẽ thanh lý đế chế toàn cầu của mình để sở hữu bức tranh.
700 triệu USD—Henri Matisse, Niềm vui cuộc sống (1906), Quỹ Barnes, Philadelphia
Henri Matisse. Le Bonheur de vivre, cũng được gọi là Niềm vui cuộc sống, giữa tháng 10, 1905 và tháng 3, 1906. BF719. © 2023 Thừa kế từ H. Matisse / Hiệp hội Bản quyền Nghệ sĩ (ARS), New York
Sau một thế kỷ ẩn mình trong góc tầng hai thiếu ánh sáng của bộ sưu tập Alfred Barnes ở Merion, Pennsylvania, bức tranh hiện được treo ở góc tầng hai của không gian mới (và cao cấp hơn nhiều) ở trung tâm thành phố Philadelphia. Ít được biết đến hơn so với Vũ điệu I (1909) của ông tại MoMA hoặc Người phụ nữ đội mũ (1905) tại SFMOMA, nhưng nó có ý nghĩa hơn nhiều. Đó là tuyên bố vĩ đại của chủ nghĩa Dã thú, bức tranh mở ra thế kỷ 20, dằn vặt trí tưởng tượng của Picasso và đưa ông đến với chủ nghĩa Lập thể. Đấu giá sẽ ít rộng rãi hơn so với những tác phẩm khác, nhưng những người sành sỏi phù hợp sẽ đẩy giá của tác phẩm này lên khoảng 700 triệu USD.
650 triệu USD—Georges Seurat, Chiều Chủ nhật ở La Grande Jatte (1884), Viện Nghệ thuật Chicago
Georges Seurat, Một chiều Chủ nhật trên đảo La Grande Jatte, 1884-1886. Hình ảnh của Wikimedia Commons.
Đây là một tác phẩm đồ sộ được vẽ với một sứ mệnh thậm chí còn lớn hơn: đặt nghệ thuật hiện đại trên nền tảng khoa học. Nói điều đó là gần như sáo rỗng, nhưng việc Seurat đã làm cho màu sắc giống như việc Einstein đã làm cho thời gian và không gian. Ông đã đưa ra thuyết tương đối chứng minh rằng mối quan hệ giữa các màu sắc, chứ không phải bản thân các màu sắc, sẽ tạo ra ấn tượng thị giác. Giống như xếp hạng ba sao của Michelin, La Grande Jatte là bức tranh hiếm hoi đáng để trực tiếp trải nghiệm với một hành trình đặc biệt. Một trụ cột của bản sắc văn hóa Chicago, nó sở hữu sự thiết thực kinh tế bên cạnh ý nghĩa văn hóa. Đấu giá từ châu Á và Trung Đông sẽ rất tích cực.
500 triệu USD—Paul Cézanne, Những người tắm Lớn (1900–06) và Những người chơi bài (1892), Bảo tàng Nghệ thuật Philadelphia và Quỹ Barnes, Philadelphia
Paul Cézanne, Những người chơi bài (Les Joueurs de cartes), 1890–1892. Được phép của Quỹ Barnes, Philadelphia
Hai bức tranh tuyệt vời của Cézanne đều quan trọng như nhau, nhưng vì những lý do khác nhau. Những người tắm Lớn là một trong những tác phẩm có ảnh hưởng nhất của ông, đặt nền móng cho chủ nghĩa Dã thú, Lập thể và mọi “chủ nghĩa” khác trong suốt thế kỷ 20, trong khi Những người chơi bài đã trở thành một tác phẩm danh tiếng theo đúng nghĩa của nó, một nguyên mẫu ban đầu của sự xa lánh hiện đại và bất mãn (nếu cập nhật đến ngày hôm nay, ông sẽ có thể mô tả một gia đình bị thôi miên bởi iPhone). Một phiên bản nhỏ hơn của Những người chơi bài đã được bán vào năm 2011 cho hoàng gia Qatar với giá 250 triệu USD. Cả hai bức tranh sẽ gây ra cuộc chiến tổng lực trong phòng đấu giá.
450 triệu USD—Jackson Pollock, Số 1, 1950 (Sương oải hương) (1950), Phòng trưng bày Nghệ thuật Quốc gia, Washington, D.C.
Jackson Pollock, Số 1, 1950 (Sương oải hương), 1950. © 2018 Quỹ Pollock-Krasner / Hiệp hội Bản quyền Nghệ sĩ (ARS), New York.
Văn hóa châu Âu chưa bao giờ hồi phục hoàn toàn khỏi tính Mỹ của Pollock. Sự hiếu chiến kiểu Mỹ của ông, quy mô Mỹ của ông, thậm chí cả cái chết kiểu Mỹ của ông (bị xé toạc trong thép ô tô) đã thổi luồng sinh khí mới vào nghệ thuật cao cấp và chuyển tâm chấn của nó từ Paris sang New York, nơi bức tranh vẫn thuộc về kể từ đó. Màn sương oải hương trong khí quyển là Jack the Dripper ở đỉnh cao của ông, quá trình thần thoại hóa của trực giác, sự ngẫu nhiên và khả năng kiểm soát của ông ở mức thơ mộng nhất của nó. Các tác phẩm của Pollock đã được bán với giá 200 triệu USD trên thị trường riêng tư và đây là tác phẩm được các nhà sưu tập tìm kiếm nhiều nhất.
400 triệu USD—Henri Matisse, Studio đỏ (1911), Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại, thành phố New York
Henri Matisse, Studio đỏ (1911). Thừa kế từ H. Matisse / Hiệp hội Bản quyền Nghệ sĩ (ARS), NY
Không thể phóng đại ảnh hưởng lịch sử nghệ thuật của bức tranh này. Bức tranh được các nghệ sĩ, từ Mark Rothko đến Frank Stella khai thác một cách nhất quán, đến nỗi màu sắc thuần khiết và sự đơn giản của nó không còn khiến chúng ta sốc nữa. Có lẽ hơi sáo rỗng khi nói như vậy, nhưng màu sắc của nó sẽ thu hút đấu giá quyết liệt từ Trung Quốc. Tôi cũng hy vọng các nhà sưu tập Trung Đông sẽ thành công, xét đến những ảnh hưởng từ Hồi giáo truyền thống trong tác phẩm, bắt nguồn từ thời Matisse ở Tây Ban Nha theo đạo Hồi.
350 triệu USD—Johannes Vermeer, Người phụ nữ giữ một chiếc cân (khoảng 1664), Phòng trưng bày Nghệ thuật Quốc gia, Washington, D.C.
Johannes Vermeer, Người phụ nữ giữ một chiếc cân, khoảng 1664. Được phép của Phòng Trưng bày Nghệ thuật Quốc gia.
Vermeer từng bị lãng quên đã có một trong những sự trở lại vĩ đại nhất lịch sử nghệ thuật. Peter Schjeldahl của tờ The New Yorker lưu ý rằng ông đã “thay thế Raphael”, tác giả của Alba Madonna (khoảng năm 1510) từng giữ kỷ lục bức tranh đắt giá nhất, “là trung tâm sự hoàn hảo nghệ thuật của châu Âu.” Có lẽ chúng ta muốn những gì chúng ta không thể có: Chỉ một bức Vermeer được đấu giá trong 90 năm qua, một tác phẩm hạng ba tái định danh được bán với giá 30 triệu USD vào năm 2004. Bức tranh này, một hình ảnh tinh tế về sự chừng mực và suy luận có tính chiêm nghiệm, là một Vermeer hoàn hảo, và có một chút lợi thế so với Cô gái đội mũ đỏ mang cảm giác đương đại hơn (khoảng năm 1665).
350 triệu USD—Willem de Kooning, Khai quật (1950), Viện Nghệ thuật Chicago
Willem de Kooning, Khai quật
Ông được gọi là câu trả lời của nước Mỹ với Picasso, Khai quật là tác phẩm quan trọng nhất của ông. Hối hả, sát phạt nhưng vẫn cân bằng, de Kooning chấp nhận thách thức của Lập thể, đánh tan cơ thể mà không làm mất đi hình dáng. Với việc Giao điểm (1955) của ông được bán riêng ở mức 300 triệu USD theo New York Times, ước tính này vẫn là dè dặt.
350 triệu USD—Leonardo da Vinci, Ginevra de’ Benci (khoảng 1478), Phòng trưng bày Nghệ thuật Quốc gia, Washington, D.C.
Leonardo da Vinci, Ginevra de’ Benci [mặt trước], khoảng 1474/1478. Được phép của Phòng trưng bày Nghệ thuật Quốc gia.
Chúng ta đã ở giữa cơn cuồng Leonardo, và ngay cả khuôn mặt không đồng đều của Ginevra de’ Benci cũng không thể thoát khỏi nó. Được Phòng trưng bày Quốc gia của D.C. mua vào năm 1967 với mức giá kỷ lục khi đó là 5 triệu USD từ Hoàng tử Liechtenstein, đây là bức tranh duy nhất của Leonardo ở Tây bán cầu. Một thử nghiệm cho sự vĩ đại trong tương lai, bức chân dung của một phụ nữ Florence trẻ tuổi này cho thấy trước nụ cười khó nắm bắt, làn da màu khói và phông nền kỳ ảo của một bức chân dung nổi tiếng hơn mà một ngày nào đó ông sẽ vẽ. Tuy nhiên, sẽ rất khó để mong đợi sự điên cuồng ở cấp độ Salvator Mundi cho tác phẩm này.
Bài viết của Evan Beard
Nguồn: Artsy
